Бесплатный фрагмент - «Продлись, продлись, очарованье…»

Введение

Это уже третья моя книга о живописи. Как автор сразу скажу, что труднее всего писать о своем творчестве. Не потому, что не хочешь сам себя оценивать, а потому что сам процесс творчества для меня самой остался до конца неразгаданным. Откуда приходят новые сюжеты? Как рождаются новые образы, композиции и цветовые решения? Что является толчком к созданию новых картин? И еще много-много вопросов роится у меня в голове. В этой книге я постараюсь рассказать о том, как все это происходит у меня.

Надеюсь, что мои размышления будут кому-то близки и понятны, а также полезны начинающим художникам.

Как рождается замысел?

Для меня всегда оставалось загадкой, как у художника рождается замысел нового полотна. Что является толчком, отправной точкой?
Для меня это, как правило, новые впечатления, сопровождающиеся сильными эмоциями.

Я заметила, что иногда сажусь писать этюд, не имея четкого представления о том, что на нем будет изображено. Есть только общее настроение и примерная цветовая гамма, в которой все это должно быть написано, а конкретика приходит потом, в ходе работы над полотном. Отчасти это сродни импровизации в том же танце.

Я люблю импровизировать, может быть поэтому я так люблю писать в манере «а-ля Прима», когда картина создается за один прием, а не пишется неделями или годами. Кроме того, я чаще всего стараюсь передать свое настроение, малейшие его ньюансы и оттенки. Настроение же каждый день разное, поэтому я и не люблю дописывать картины «по-сухому», но иногда вынуждена это делать, поскольку в живописи так же есть свои приемы и правила.

Иногда в голове появляется неясный замысел и оседает где-то в подсознании. До его реализации может пройти довольно много времени. И опять должен быть какой-то толчок извне, чтобы поднять воспоминание из глубины и начать с ним работать.

Живопись и музыка

Для меня живопись и музыка связаны неразрывно. Очень часто я слушаю музыку и в голове рождается замысел нового полотна. Иногда я включаю музыку во время написания картины — это помогает создать необходимое мне настроение.

Так, например, слушая романс на слова И. С. Тургенева «Утро туманное, утро седое..», я писала одноименную картину. Зрители отмечают, что полотно получилось радостное и светлое, а в романсе, дескать, звучат нотки трагизма и глубокой печали. Но ведь у каждого свое восприятие! Вот и на меня этот романс навеял легкую печаль, грусть по ушедшим теплым дням и меланхолию, а все вместе это вызвало ассоциации зарождающегося зимнего дня.

Скажу больше, музыка того или иного композитора вызывает у меня разные ассоциации. Например, слушая вальсы Фредерика Шопена, я часто пишу морские пейзажи. А вот нежное и романтичное «Адажио» Альбинони вызывает желание написать теплую лунную ночь. Жизнеутверждающая музыка Моцарта требует ярких красок осени, а Бах или Бетховен настраивают на серьезный лад и созерцание.

Так или иначе эти два вида искусства настолько тесно переплетаются между собой, что порой, глядя на полотно, я слышу фрагменты того или иного музыкального произведения.

Зарисовки из поездок и путешествий

Практически во всех своих поездках я рисую. Иногда с натуры, иногда по памяти. Это зависит, прежде всего от погодных условий. Например, собираясь в январе этого года на Кипр (Пафос), я была уверена, что буду много писать с натуры. Но ежедневные ливневые дожди с градом, холод и ураганный ветер подкорректировали мои планы. Приходилось в буквальном смысле ловить момент и писать темперой быстрые этюды, а маслом работать уже в номере, когда за окном бесновалась непогода. Эта поездка была чрезвычайно плодотворной, с Пафоса я привезла свою «Морскую рапсодию» и «Море в пасмурный день».

Однако, не во всех поездках получается рисовать. На Родосе я старалась посмотреть как можно больше, да и настроение было «не рисовальное» — возможно, сказывалась весенняя усталость. В Турции у меня в первый же день стащили из номера все мои рисовальные принадлежности — кисти, краски и карандаши. Волей-неволей пришлось отказаться от зарисовок. Зато в Тунисе я писала практически каждый день и привезла оттуда практически целую выставку. Особенно я бы выделила работы, написанные после поездки в Сахару.

Отдельно хочу рассказать про путешествие по Алтаю. Эта была туристическая поездка, впечатления от которой затмили все предыдущие путешествия. После поездки я написала множество полотен, в основном все по памяти или по сделанным фотографиям. Алтай навсегда поселился в моем сердце, и я надеюсь вернуться туда снова.

Легко ли быть художником?

Этот вопрос я часто слышу от людей, далеких от мира искусства. Давайте разберемся, что понимать под «легко или нелегко»? Как вы думаете, легко ли писать с натуры на палящем солнце, при штормовом ветре, в дождь, в холод — практически при любых погодных условиях? Легко ли таскать на себе этюдник, краски, холсты и растворители и прочее? Легко ли помногу часов тренировать руку и нарабатывать технику? Думаю, что ответ на эти вопросы вы дадите сами.

Начнем с того, что кроме дарования или как сейчас говорят «божьей искры» недостаточно, чтобы стать художником. Учиться приходится не год, не два, а практически всю жизнь. Поэтому когда я вижу рекламу «Учим рисовать за один день (месяц, мастер-класс)», мне становится просто смешно. Ну нельзя овладеть техникой за такой короткий промежуток времени! И не нужно питать иллюзий на этот счет. Если вы все решили учиться рисованию, нацельтесь на долгосрочное обучение. Сейчас появилось много мастер-классов, на которых вы якобы сами пишете картину. Посмотрите повнимательнее на видео с таких занятий — фактически картину пишет не ученик, а мастер, который только и успевает, что своей рукой исправлять огрехи своего ученика. И написанная таким образом картина в принципе не ваша! На мой взгляд гораздо полезнее систематически посещать занятия в изостудии, чем брать раз в год такие мастер-классы.

Если нет такой возможности — смотрите обучающее видео, подмечайте технику и манеру письма, использование красок и различных материалов. Сейчас появилось большое количество бесплатного обучающего видео на том же ютубе. Можно просмотреть такой урок несколько раз, стараясь запомнить последовательность действий, можно остановиться в любой момент и просмотреть фрагмент еще и еще раз. Но никогда не копируйте слепо, пытайтесь даже в этом случае привнести в процесс создания картины что-то свое!

Есть и еще один момент, на который мне хотелось бы обратить внимание. Художник никогда не останавливается на достигнутом, он постоянно пытается узнать что-то новое для себя и идет вперед. Пробуйте себя в новом жанре, используйте разные материалы и техники, ходите на выставки и смотрите на полотна великих мастеров.

Совет начинающим художникам — больше пишите с натуры! Это хорошая практика, позволяющая тренировать руку и глаз. Необязательно каждый раз создавать монументальное полотно, достаточно делать беглые зарисовки, это потом окажет вам неоценимую помощь при работе над картиной в мастерской.

Копирование

Я рассматриваю копирование как один из способов обучения. Все художники на своем творческом пути так или иначе сталкивались с копированием. Это процесс, тем не менее, достаточно творческий. Даже если вы делаете копию (изучаете технику старых мастеров), то тренируется ваш глаз, рука, мозг при анализе того, как достигается тот или иной эффект.

Например, вы учитесь писать портрет — начните свой путь с простого рисунка карандашом, на котором отчетливо будет виден процесс построения головы и анатомические особенности лица. В художественной школе не зря дают задание — нарисовать в карандаше с гипсового слепка все части лица по отдельности — глаз, нос, рот и только потом ставят всю голову целиком. Когда вы в достаточной степени овладеете техникой зарисовок в карандаше, можете приступать к живописи. Вот тогда неоценимую помощь окажет вам изучение творчества зарубежных мастеров-портретистов — Рубенса, Тициана, русских живописцев — Николая Крамского, Ильи Репина, Валентина Серова, Василия Сурикова и других. Копируя портреты, вы невольно будете подмечать с помощью каких приемов передается блеск глаз, матовость кожи, румянец и другие ньюансы, без которых нет и не может быть «живого» портрета. Точно также происходит процесс копирования в пейзаже и в любом другом жанре.

Просмотр мастер-классов и дальнейшее написание работы тоже своего рода копирование. Вы пытаетесь самостоятельно на холсте воспроизвести те эффекты, которые подметили для себя в данном мастер-классе, одновременно используете новые приемы и совершенствуете уже имеющиеся навыки. Вполне возможно, что с первого раза у вас не получится хорошая копия. Не отчаивайтесь, попробуйте понять свои ошибки и повторите попытку. Ведь в живописи как и в любом другом виде искусства ничто не дается без усилий. Но, повторюсь еще раз, никогда не копируйте слепо! Анализируйте почему и для чего мастер использовал тот или иной прием, пытайтесь не просто повторить увиденное, но и «пропустить это через себя», возможно внести что-то новое. Вот тогда копирование станет очередной ступенью к вершинам мастерства.

Вдохновение

Меня часто спрашивают о том, как я пишу свои картины? Откуда черпаю идеи и всегда ли пишу по вдохновению?
Ответ прост- нет, не всегда. Не помню где, я вычитала очень мудрые слова:" Вдохновение обязательно придет, но оно должно застать вас за работой». Это совершенно верно, могу сказать по своему опыту. Очень часто начинаешь писать картину и в ходе работы понимаешь, что нужно что-то в ней изменить — убрать или добавить, поменять палитру или изменить цветовое решение.

Ты включаешься в процесс создания нового полотна и с головой уходишь в работу. Вот именно в эти моменты тебя и посещает вдохновение. Очень редко ты берешься за работу, одержимый какой-то одной мыслью. Это взбудораженное состояние часто ошибочно принимают за вдохновение.

Что же такое вдохновение и когда оно возникает? В моем понятие вдохновение сродни озарению, какая-то совершенно новая для тебя мысль, которая просится и выплескивается наружу.

Но нет и не может быть вдохновения без ежедневной работы. Константин Паустовский в своей повести о П.И.Чайковском писал о нем так:" Он работал как вол, как поденщик, и вдохновение рождалось в работе».

Дело в том, что само по себе вдохновение не является гарантией для создания шедевра. Если вы не владеете в достаточной степени техникой, не знакомы с основными законами живописи, то никакое вдохновение не позволит вам написать достойную работу. Ну а овладение техникой — процесс длительный, требующий многократных упражнений.

С другой стороны картины, написанные без вдохновения, эмоционально мертвы и никакая техника тут не поможет. Вот и получается, что вдохновение — это только одна составная часть для создания полотна. Всем же начинающим художникам я хочу пожелать не уповать на вдохновение, а побольше работать. Тогда и вдохновение не заставит себя долго ждать.

Талант или способности?

Часто люди употребляют эти слова, не задумываясь о той разнице, которая между ними существует. В чем же различие между ними? Выскажу свою точку зрения, возможно спорную.

Способность к чему-то — это наклонность к какой-либо деятельности, заложенная природой и которую можно развивать. Но не факт, что заложенная способность будет развита. А талант, на мой взгляд, это уже развитая до определенного уровня способность. Я бы сказала, что талант — это одна один процент способностей и девяносто девять процентов вложенного труда.

Талант можно сравнить с пучком света — он бывает сфокусированным или рассеянным. В первом случае человек обладает склонностью только к одному роду деятельности (рисованию, музыке, танцам и т.д.), во втором случае он может быть многогранно одаренным. Таких случаев достаточно много. Доподлинно известно, что многие балетные увлекаются рисованием, но рисуют не профессионально, а на любительском уровне. Некоторые все же достигают какого-то уровня и участвуют в выставках. Литераторы зачастую неплохо музицируют и увлекаются сочинением музыки. Взять того же А. Грибоедова — его «Горе от ума» и одноименный вальс навеки вошли в сокровищницу русской культуры.

Еще один аспект. Способности у всех проявляются по-разному — у кого-то в раннем возрасте как у Моцарта, у кого-то гораздо позже. Одно можно сказать наверняка — чем раньше будет замечено наличие каких-либо способностей, тем больше вероятность их развития. Ведь в юном возрасте дети гораздо более восприимчивы ко всему новому и впитывают знания как губка. С возрастом эта способность частично утрачивается. Но у настоящих художников она остается на всю жизнь. Пытливость ума и умение подмечать то, чего не видят другие люди — неотъемлемые качества для любого художника. Широко известен тот факт, что Айвазовский не взял к себе на обучение Куинджи, а отправил его со словами: «С такими способностями можно только заборы красить». Тот же Куинджи трижды поступал в Российскую Академию Художеств, но его не принимали туда даже вольнослушателем. А в спустя годы он стал там профессором и почетным ее членом.

Ведь многие люди смотрят на одно и то же, но только глаз художника способен подметить в обыденном нечто совершенно новое и показать это широкой аудитории. Поясню это на примере. Во время обучения в художественной школе нам давали очень полезное упражнение для развития зрительной памяти. Учащиеся подходили минут на 10—15 к окну и смотрели в него. Затем отходили от окна и должны были изобразить увиденное. Так вот, все смотрели в одно и то же окно, но каждый видел и изображал совершенно свое — кто-то рисовал ворох осенней листвы на скамейке, кто-то подъезд и фрагмент дома, другой видел детскую площадку и играющих на ней малышей и так далее. Примерно так же происходит и в жизни — люди смотрят на одни и те же предметы, но видят их все по-разному.

Художник обладает обостренным восприятием окружающей действительности, он более раним и уязвим. Именно поэтому так часто художники очень болезненно реагируют на критику, хотя она совершенно необходима для дальнейшего развития. Но критика должна быть конструктивной. Недаром такой популярностью пользовались творческие вечера у Саввы Мамонтова в Абрамцево, где художники собирались за круглым столом и обсуждали написанное ими за день.

Итоги

Подводя итоги, скажу, что этот год был для меня не самым легким. Но несмотря на все трудности, за год было написано свыше ста работ, многие из которых привезены из поездок по дальнему и ближнему зарубежью. В этой книге собраны лучшие, на мой взгляд, работы за прошлый год — этюды с натуры и по памяти с Кипра, Турции, Туниса и Алтая. Каждая из этих поездок оставила свой след в моем творчестве. А мои рассуждения, надеюсь, будут интересны и полезны начинающим художникам.

КАТАЛОГ РАБОТ ЗА 2019 Г

Зарисовки, сделанные во время поездки в Пафос (6—16.01.19)